αＭプロジェクト2011Vol.1椛田ちひろ展、のお知らせ

個展のお知らせです。武蔵野美術大学企画のαＭプロジェクトは、2011年は『成層圏　Stratosphere』というテーマのもと高橋瑞木氏、鈴木勝雄氏、田中正之氏の３人のキュレーターがそれぞれのテーマで展覧会を企画します。私は田中正之氏の『「私」のゆくえ ：Tracing the "Self"』にて、個展形式で紹介されることになりました。新作を発表致しますので、たのしみにしてください。また、ご協力くださいましたバニーコルアートさんに心より感謝申し上げます。ありがとうございました。

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『成層圏　Stratosphere』

いささか唐突に聞こえるかもしれない「成層圏」というタイトル。字義通りには大気圏の一層を指すが、企画者は、現代における美術の創造性を捉え直すメタファーとしてこの語を選んだ。美術に特有の表現の強度が、複数の意味の層が重なりあって、豊かな多義性を発揮することにあるとすれば、制作と鑑賞の両面において、こうした「層」への意識は不可欠だろう。しかし、その各層が固定され、ときに階層化されて、自由な行き来ができなくなるような「地層」のイメージは相応しくない。それとは対照的に、意味を発生させる層が流動性を失うことなく曖昧に連なり、その各層を想像力が横断的に飛翔することを予感させる空間として「成層圏」という語を読み替えていきたいのだ。

では表現を多層化していく方法とは具体的にはどのようなものなのか。形式的なレベルでは、イメージを層状に重ねていく絵画や、イメージと言葉の併用、さらにコラージュ、モンタージュという手法がすぐに思い浮かぶ。主題のレベルでは、過去の美術作品や、美術という制度に対しての言及、あるいは歴史、社会、政治、文化への示唆など、こうした参照項が層状に張り巡らされることで、作品の解釈は重層的なものとなるだろう。また、芸術作品を制作する他ならぬ作者という主体に注目すれば、事態はさらに複雑な様相を呈してくる。そもそも「わたし」という主体そのものが、歴史的、社会的に構築された多層的な存在であるからだ。だとすれば、そのような主体と外界との臨界面に立ち現れる芸術作品には、様々な異なる文脈における「わたし」と「世界」との出会いが刻印されることになる。いや、むしろ芸術作品という場において、「わたし」と「世界」とが同時に生成すると捉えるべきなのかもしれない。

この展覧会シリーズは、昨年度の「複合回路」に引き続き、同じ三人のキュレーターによって企画された。個々の問題意識は継続しているとはいえ、今年度は「成層圏」というタイトルに託して、上述のような多層化のプロセスに潜む生成のモーメントに、より自覚的に取り組んでいくつもりである。（鈴木勝雄）

(プレスリリースより)
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「私」のゆくえ Tracing the "Self"　

目に見えているものは、とりあえず目の前にあるのだから確実に存在しているはずだ。だから、今自分の隣りにいる人にも、同じようにそれは見えているはずだ。ふつうは、そんなことは考えもしないのだが、しかし、そう考えた途端、少し不安になってはこないだろうか。本当に隣りにいる人にも同じものが見えているのだろうか。目の前にあるものは、本当にあるのだろうか。そうやってすべてのものの存在を疑っていったときに、しかし最終的にその存在が疑いえないものがたったひとつ残る。つまり、そう考えている（疑っている）自分の意識そのものは、確実にあるはずなのではないか。「私は確かに今考えているのだから、考えている私のこの意識の存在は確実だ」「我思う、ゆえに我あり」だと。そう考えて手に入れられる「主体」の観念は、すべての存在に先立つものとなり、そして私の意識以外のすべてのものは、その存在を私によって根拠付けられるものとなる。

ところが、考えている私が、考えるために使っている言葉は、実は自分より「先に」存在していたものだ（言葉は、私自身が発明したものではない）。とすれば、私だって、たとえば言葉によって存在を与えられ、作られたものだということになる。「私」は、作られるものなのだ。では、いったい「私」はどうやって、どんなものに作られるのか。「私」を作る作業に、私自身は参加できるのか。

「私」の自明性の揺らぎ、あるいは「私」の存在の見えにくさが、作品制作の重要な動機となったとき、なかには、作品によって虚構の自明性を構築しようとするものもあるかもしれない（たとえば、「これが私です」と示すようなイラストレーション的な絵画作品）。しかし他方では、その揺らぎのなかに自らを投企し、不可視性そのものや、見えないものを可視化できるかもしれない可能性（との格闘）に賭けるものもあるだろう。そのように「私」をくぐりつつ立ち現われてくるイメージの多様な試みのなかに、現在の美術のあり方のひとつの様相を見ることができるだろう。（ 田中正之）

(プレスリリースより)
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手探りの欲望、あるいは表象を超える絵画

のたうつように見える手探りの痕跡。椛田の絵画はこの痕跡で占められている。絵画の向こうに何かを（おそらくは決して見出すことのできない何かを）探し求めているかのようなその痕跡は、まるで手探りの欲望がむき出しにされ、そのまま画面上に固着したかのようにも思える。絵具が欲望のフェティッシュ（代理物）にも見えてくる。そのため絵画は表象（リプレゼンテイション）であることをやめている。あるいは決して明瞭な像をこちらに返すことのない鏡の作品。はっきりとした像が見えないために、それは見る者の居心地の悪さと不安とを助長し、像を求める手探りの欲望を、掻きむしりたくなるような欲望を刺激する。こういった手探りの欲望への執着は、いったい何なのだろう。それを、たとえば身体的に把握される世界、という問題として捉えてみたいのだが、どうだろう。もう少し言えば、言語（表象）以前の身体的世界の存在可能性として、である。
自分が実際に、現実に生きている世界の範囲は一体どれくらいの広さなのか。心理学では、そういったことが考察されている。電車や飛行機に乗ればどこにでも行けるのだとすれば、自分の生きる世界は限りなく広がっているように思える。自分の存在できる世界は可能性としては無限だ。しかしたとえ東京からニューヨークに移動しようとも、自分がその瞬間その瞬間で実際に生きている場所は、実は非常に限られた範囲でしかない。領域としては目で見ることができる範囲に限られ、実感としては手や脚など躰の一部で触れることのできる範囲に限られている。五感という身体的感覚の及ぶ範囲が、生身の自分が、身体的実感をもって生きることのできる範囲で、それは実は非常に狭い。そして、その範囲を超えて広がっているのはあくまでも想念のなかにしか存在していない世界、観念の世界である。ニューヨークにいるときには、東京はあくまでも観念の中にしか存在しない。この観念の世界を構築しているのは、いうまでもなく言語だろう。つまり身体的世界の周りに表象的世界が取り巻いており、人はそのようなふたつの世界を同時に抱え込むことによって自分が生きる世界を構築している。しかし、言語を習得する以前は、自分の生きている世界はすべて身体的実感で充実していたはずである。
自分の身体そのもので実感をもって生きている世界と、表象として（身体とは直接関係なく）構築されている観念的世界の間には、見えない壁が立ちはだかっている。椛田の作品は、この壁を顕在化させたようなものだ。そして表象以前の身体的実感をもった充実を取り戻そうともがく欲望がその壁をのたうつのである。まるで言語・表象を超えて生身の身体だけで自分の世界を再び構築しようとするかのように。だから椛田の作品は、表象を超えようとする絵画だ。（ 田中正之）

(プレスリリースより)
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会期：2011年4月2日（土）～5月７日（土） （4/29～5/5休）
時間：11:00～19:00　
休み：日月祝休
アーティストトーク：4月2日（土）17時～18時
オープニングパーティー：4月2日（土）18時～
協賛：バニーコルアート（株）
会場：gallery αM（ギャラリー・アルファエム）
住所：東京都千代田区東神田1-2-11アガタ竹澤ビルB1F　
tel：03-5829-9109　
fax：03-5829-9166
e-mail：alpham@musabi.ac.jp　
URL:www.musabi.ac.jp/gallery